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El proyecto Arte Contemporânea de Carlos Carvalho para ARCOMadrid reúne el trabajo de tres artistas que muestran cómo la ficción puede ser un reflejo creativo de la imaginación y por tanto un impulso para proyectar otros futuros.




Mónica de Miranda
El trabajo de Mónica de Miranda (Porto, 1976) se sitúa en torno a los temas de la arqueología urbana y las geografías personales, presentados de forma interdisciplinar utilizando el dibujo, la instalación, la fotografía, el cine, el vídeo y el sonido, de forma expandida, buscando desdibujar los limites entre la ficción y el documental.
El artista comenzó a exponer en 2004 y dos años después participa en la colectiva "O Estado do Mundo" en la Fundación Calouste Gulbenkian, Lisboa. La Bienal de Dakar (2016) y los Encuentros de Bamako (2015) y La Bienal de Arquitectura de Veneza (2014) proyectaran la artista a un nivel de mayor visibilidad internacional. Ha mostrado su obra en varias exposiciones como las realizadas en el Oratorio di San Ludovico, Venecia, Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado, Lisboa, 2015, Galeria Carlos Carvalho, Lisboa, 2014, Museu Pera, Estambul, 2017, Caixa Cultural , Río de Janeiro, Galerie des Galeries, París, 2017, Addis Foto Fest (Addis Abeba, 2016), Bienal de Santo Tomé y Príncipe, 2013, Centro Cultural Portugués, Mindelo, 2012, Museo de Bellas Artes de Calais, 2011, Galería Mojo, Dubái, 2010, Centro Cultural de Lagos, Lagos, 2008, Fundación Calouste Gulbenkian, Lisboa, 2008 y Festival Fringe de Singapur, 2007. Fue nominada al premio EDP Novos Artistas (2019), al premio Novo Banco (2016) y al premio Prix Pictet Photo (2016). Está en las colecciones del Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Chiado, el Museo de Arte, Arquitectura y Tecnología (MAAT), la Fundación Calouste Gulbenkian, los Hoteles Museo 21c, Casa Soho, Colección Alma Colectiva, Guadalajara, México, Fundación Nesr , Luanda, Angola y PLMJ, Lisboa, Portugal, entre otros.

La obra fotográfica instalación titulada Astronauta de la serie Path to the Stars presentada en La Biennale di Venezia, programa paralelo, y en la 12ª Bienal de Berlín, forma parte del conjunto de obras de Mónica de Miranda (Porto, Portugal, 1976 ) elegido para ARCOMadrid. Estas tres piezas de escultura y fotografía presentadas en esta edición buscan exponer las implicaciones de una visión hegemónica de la historia donde el poder de las narrativas confunde la ficción con la realidad para reimaginar otras historias e inventar futuros diferentes.


“La obra de Mónica de Miranda puede entenderse como un agente que reconecta continuamente los procesos artísticos con la condición transitoria del espectador. Independientemente de los temas que investiga, o reflexiones sociopolíticas que amarran un sentido real y afectivo a su propia identidad con el lugar y la historia de quienes lo habitan, las obras contienen parte de su experiencia autorreferencial, pero no siempre autobiográfica, pues no es un testimonio del camino, sino de alguien que se reconoce en la transición y el cambio territorial”. João Silvério










Marguerite Bornhauser
El artista vive y trabaja en París, Francia. Estudió en la École Nationale Supérieure de la Photographie de Arles (2015) tras una incursión en el periodismo y la literatura en la Sorbonne Université de París. Su trabajo se ha mostrado en Maison Européenne de la Photographie de Paris, en Paris Photo en 2019, en las calles de Cincinnati, en el museo de Arte de Cincinnati, en Arles durante el Festival de Fotografía, en Deauville, en el Festival Planche(s) Contacto, en el MAP de Toulouse, entre otras instituiciones y museos. Su primer libro “Plastic Colors” fue seleccionado entre los 10 finalistas del Mack First Book Award 2015. Los libros “8" 2018 y "Red Harvest" 2019 fueron publicados por la editorial Poursuite. En 2020 fue galardonada con el premio Emergent Photographer of the Year en la feria Photo London.

Exponiendo por primera vez en ARCOMadrid, Marguerite Bornhauser (París, Francia, 1989) en su nueva serie Étoile Retine, reinventa objetos cotidianos, dándoles un sentido pictórico y una apariencia abstracta tanto en escenas espontáneas como ensayando una verdad alternativa sobresaturada.


"Plastic Colours, Red Harvest, When Black is Burned; incluso los títulos de las series de la fotógrafa Marguerite Bornhauser nos dicen de inmediato lo que le preocupa, lo que anima su práctica del principio al fin. Pero el color, para Bornhauser, no es solo el tema y el enfoque de su trabajo, pero más a menudo una forma de percibir, re-ver y retratar el mundo.Y su mundo es un mundo que, a primera vista, quizás parece un poco diferente al nuestro: fragmentos de la vida cotidiana, detalles, rostros y lugares. Pero es la naturaleza de la respuesta estética de Bornhauser a las cosas que ve a su alrededor lo que la marca como una de las jóvenes fotógrafas más importantes que trabajan en Francia en la actualidad. La historia de la fotografía está plagada de alquimistas como Bornhauser, de los cuales quizás el primero entre iguales haya sido siempre William Eggleston, y el más influyente, al menos recientemente, Wolfgang Tillmans. Ambos precursores de la práctica de Bornhauser identifican y enmarcan partes del mundo que les rodea como solo ellos lo ven, transformando estas imágenes en fotografías de una poesía y una belleza impresionantes, a menudo a través de una intensa consideración personal por el color".
Simon Baker, Director, Maison Européene de la Photographie, Paris





Marzo 2020. Este diario de cuarentena explora mi confinamiento en París, reinventando objetos cotidianos, dándoles un sentido pictórico y una apariencia casi abstracta, tanto en escenas espontáneas como en composiciones cuidadosamente construidas. Inmerso en mi apartamento cerrado, las imágenes son íntimas, estrechamente enmarcadas con luz cruda utilizando principalmente la luz natural de la ventana que rebota en las paredes, en el piso de madera antes de finalmente desvanecerse. Repasar una y otra vez la cotidianidad íntima hizo que la viera de otra manera, estas imágenes transforman la cotidianidad en un extraño mundo de contrastes; un colador se utiliza como filtro de luz para esculpir un rostro y las plantas se convierten en un material sensual que proyecta sombras y toques de color que crean un mundo original."
Marguerite Bornhauser
José Bechara
José Bechara (Río de Janeiro, Brasil, 1957) desarrolla un amplio campo de investigación sobre el espacio, el volumen, la superficie, la composición, mostrando el resultado a través de una serie de obras que abarcan la pintura, el dibujo, la escultura, la fotografía y la instalación. El artista reutiliza repetidamente lonas de camiones, manipula óxidos de carbono, cobre y acero para producir dípticos, trípticos o polípticos con distintas intensidades, explorando núcleos, líneas y tramas.
El artista ha expuesto su obra en exposiciones individuales y colectivas en diversas instituciones como: Fundação Eva Klabin, Brasil, Culturgest, Portugal, MEIAC, España, Instituto Valenciano de Arte Moderna, España, MAM Rio de Janeiro, Brasil, Instituto Tomie Ohtake, Brasil, Ludwig Museum, Alemania, Haus der Kulturen der Welt, Alemania, Ludwig Forum Fur Intl Kunst, Alemania y Fundación Calouste Gulbenkian, Portugal, entre otros. Está representado en varias colecciones como MAM RJ, Gilberto Chateaubriand Collection, Brasil, Centre Pompidou, Francia, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brasil o Ludwig Museum (Koblenz), Alemania.

Basada en una fuerte referencia al constructivismo brasileño, entendiéndolo como un proceso de transformación colectiva, la obra de José Bechara (Río de Janeiro, Brasil, 1956) es un ejemplo del potencial del lenguaje visual para la idealización, la concepción y la planificación. Para esta feria, el artista presentará nuevas obras en diferentes formatos, siguiendo su nueva serie de pinturas creadas a partir de óxidos de carbono y cobre sobre lonas de camión.



















